JIA ZHANGKE
Jia Zhangke es uno de los máximos representantes del cine independiente que se ha realizado en China en los últimos 15 años. Se licenció en la Academia de Cine de Pekín y realizó su primera película, Xia Wu, en 1998. Algunas de sus últimas creaciones han sido Still life (2006), con la que ganó un León de Oro en la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia; Useless (Wuyong,2007) y 24 City, película que formó parte de la selección oficial de Cannes de este año.
La filmografía de Jia Zhangke raramente puede seguirse en salas comerciales, sin embargo gracias a la apuesta de productores y festivales internacionales, así como al pequeño resquicio de tolerancia que encuentra en la complicada situación de su país, Jia ha sido capaz de llevar a cabo una filmografía brillante. Todas y cada una de sus películas gozan del prestigio ante la crítica internacional y vienen avaladas con menciones y galardones de los más importantes festivales de cine: Pickpocket (Xiao Wu, 1997), obtuvo el Alcan Drangons and Tigers Award For Young Cinema en el Festival de Vancouver, el New Currents Award en el Festival de Pusan, y el Montgolfiére d’Or en el Festival des Trois Continents de Nantes, entre otros; Platform (Zhantai, 2000), considerada obra maestra del cine contemporáneo, fue reconocida con premios como el Montgolfière d’Or, el Young Cinema Award del Festival de Singapur, el Premio a la Mejor Película del BAFICI o el Premio Don Quijote en el Festival de Cine de Friburgo. Sus últimos trabajos, Dong (2006) y Useless (Wuyong, 2007), también han sido objeto de premios y distinciones, habiendo obtenido la primera el Open Prize y el Doc/it Award del Festival de Venecia y la segunda el Venice Horizons Documentary Award, también en Venecia.
"USELESS"
Useless, un filme que revela las realidades de una sociedad de consumo donde la combinación del tiempo y el dinero ha trasladado la creatividad humana a un papel periférico. Jia nos da una imagen a menudo devastadora , pero siempre centrada y compasiva del mundo de la moda en China, el mayor exportador de ropa en el planeta.
Un atípico documental que juega con las mismas estructuras narrativas fragmentadas que el director siempre utiliza en su cine. Estilística y de buenas maneras parece decirnos que la barrera entre ficción y documental apenas es imperceptible: las dos representan una parte de la otra, una es recreada y la otra se expresa a través de las imágenes.
Esta nueva obra apela a la condición humana a través del oficio de costurero y de sus diferentes ramificaciones sociales. No se trata en realidad de una observación superficial hacia el precario sistema de trabajo del gremio, sino que se manifiesta poderosamente como una descripción de las injusticias y miserias que plantea el sistema económico chino y por consiguiente, del sistema mundial.
"Useless" está estructurado en tres partes muy diferenciadas, atadas sin relación de continuidad però unidas por una aparente casualidad que trata de mostrar mundos diferentes que avanzan al mismo tiempo. Lo único que cambia es la mirada, el enfoque. En realidad, todo discurre de forma unánime.
Este filme esta construido a partir de silencios y de imágenes que requieren una gran capacidad de observación, en él se reta al espectador a sostener la mirada a pesar de la dura realidad de la que está siendo testigo.
Asistimos primero a una fábrica de trabajo en cadena, donde somos testigos de las condiciones infrahumanas a las que son sometidos los trabajadores. En la parte central del filme se nos muestra el triunfo en París de una diseñadora con una propuesta que relaciona el diseño de ropa con la tierra, y la convivencia orgánica entre ambas. Una tercera y última parte, donde el director parece mostrarse más cómodo, muestra diversos locales de costura que subsisten en el país bajo una extrema pobreza y que contrasta enormemente con el éxito mediático del que hemos sido testigos sólo unos minutos antes en París.
Esas son las realidades que interesan a Zhang-Ke, un mundo globalizado en el que todas las miradas son posibles, interconectado a través de las experiencias de las personas y de los alarmantes contrastes que se dan en ese mundo. Trata de mostrar el importante cambio social y económico que sufre actualmente su país.
Un gran trabajo razón por la cual felicito a Jia Zangh ke fundamentalmente por atreverse a sacar a la luz una vez más la realidad de su país y las contradicciones del mundo en el que vive.
Escrito por Roser Ramírez
Valoración: 8'5
La filmografía de Jia Zhangke raramente puede seguirse en salas comerciales, sin embargo gracias a la apuesta de productores y festivales internacionales, así como al pequeño resquicio de tolerancia que encuentra en la complicada situación de su país, Jia ha sido capaz de llevar a cabo una filmografía brillante. Todas y cada una de sus películas gozan del prestigio ante la crítica internacional y vienen avaladas con menciones y galardones de los más importantes festivales de cine: Pickpocket (Xiao Wu, 1997), obtuvo el Alcan Drangons and Tigers Award For Young Cinema en el Festival de Vancouver, el New Currents Award en el Festival de Pusan, y el Montgolfiére d’Or en el Festival des Trois Continents de Nantes, entre otros; Platform (Zhantai, 2000), considerada obra maestra del cine contemporáneo, fue reconocida con premios como el Montgolfière d’Or, el Young Cinema Award del Festival de Singapur, el Premio a la Mejor Película del BAFICI o el Premio Don Quijote en el Festival de Cine de Friburgo. Sus últimos trabajos, Dong (2006) y Useless (Wuyong, 2007), también han sido objeto de premios y distinciones, habiendo obtenido la primera el Open Prize y el Doc/it Award del Festival de Venecia y la segunda el Venice Horizons Documentary Award, también en Venecia.
"USELESS"
Useless, un filme que revela las realidades de una sociedad de consumo donde la combinación del tiempo y el dinero ha trasladado la creatividad humana a un papel periférico. Jia nos da una imagen a menudo devastadora , pero siempre centrada y compasiva del mundo de la moda en China, el mayor exportador de ropa en el planeta.
Un atípico documental que juega con las mismas estructuras narrativas fragmentadas que el director siempre utiliza en su cine. Estilística y de buenas maneras parece decirnos que la barrera entre ficción y documental apenas es imperceptible: las dos representan una parte de la otra, una es recreada y la otra se expresa a través de las imágenes.
Esta nueva obra apela a la condición humana a través del oficio de costurero y de sus diferentes ramificaciones sociales. No se trata en realidad de una observación superficial hacia el precario sistema de trabajo del gremio, sino que se manifiesta poderosamente como una descripción de las injusticias y miserias que plantea el sistema económico chino y por consiguiente, del sistema mundial.
"Useless" está estructurado en tres partes muy diferenciadas, atadas sin relación de continuidad però unidas por una aparente casualidad que trata de mostrar mundos diferentes que avanzan al mismo tiempo. Lo único que cambia es la mirada, el enfoque. En realidad, todo discurre de forma unánime.
Este filme esta construido a partir de silencios y de imágenes que requieren una gran capacidad de observación, en él se reta al espectador a sostener la mirada a pesar de la dura realidad de la que está siendo testigo.
Asistimos primero a una fábrica de trabajo en cadena, donde somos testigos de las condiciones infrahumanas a las que son sometidos los trabajadores. En la parte central del filme se nos muestra el triunfo en París de una diseñadora con una propuesta que relaciona el diseño de ropa con la tierra, y la convivencia orgánica entre ambas. Una tercera y última parte, donde el director parece mostrarse más cómodo, muestra diversos locales de costura que subsisten en el país bajo una extrema pobreza y que contrasta enormemente con el éxito mediático del que hemos sido testigos sólo unos minutos antes en París.
Esas son las realidades que interesan a Zhang-Ke, un mundo globalizado en el que todas las miradas son posibles, interconectado a través de las experiencias de las personas y de los alarmantes contrastes que se dan en ese mundo. Trata de mostrar el importante cambio social y económico que sufre actualmente su país.
Un gran trabajo razón por la cual felicito a Jia Zangh ke fundamentalmente por atreverse a sacar a la luz una vez más la realidad de su país y las contradicciones del mundo en el que vive.
Escrito por Roser Ramírez
Valoración: 8'5
Guión: Dustin Lance Black
Año de producción: 2008
Música: Danny Elfman
Editor: Elliot Graham
Fotografía: Harris Savides
Productora: Focus Features
País: Estados Unidos
Estreno: 9 de enero del 2009
Reparto: Sean Penn, Josh Brolin, Emile Hirsch, James Franco, Diego Luna
El alcalde Moscone y el concejal Harvey Milk son los protagonistas de éste film basado en hechos reales que acontecieron el 27 de noviembre de 1978 en San Francisco, EEUU. Donde ambos fueron asesinados por la tensión política que se vivía y por la incomprensión hacia su sexualidad por parte de algunos sectores sociales.
La temática central es la homosexualidad y la lucha por conseguir la libertad de expresión sin miedo a la represión. También como temas secundarios, pero no por ello menos importantes, se tratan los temas de igualdad de sexo, el racismo y la corrupción política.
Harvey milk fue el primer revolucionario que luchó por la libertad gay y aunque le costó la vida, consiguió movilizar a la gente y captar la atención de América. Fue una esperanza para estos sectores, estas minorías que en su momento habían sido marginadas. Gracias a su espíritu luchador consiguió un cambio de mirada en la sociedad y una concienciación por los derechos gays.
A lo largo de todo el film podemos ver diferente simbología gay emergente de ese tiempo, como la bandera del arco iris o el triangulo rosa. Además también se usan algunas imágenes de archivo para ambientarnos en la época de los setenta.
El personaje principal es Harvey Milk interpretado por Sean Penn, un actor con una larga trayectoria y que en ésta película logra transmitir en todo momento el sufrimiento de las personas que vivieron aquel período de adaptación con una excelente interpretación. Con un óscar tras el éxito en 2003 con Mystic River, en 2009 Sean Penn logra su segunda y merecida estatuilla.
El argumento es previsible y desde el principio se sabe lo que pasará ya que se ciñe a un hecho histórico, pero aun sin sorprender tampoco decepciona. No hay nada en esta película que fascine al espectador. El film sigue durante todo el rato con el mismo ritmo y considerando que la durada de la película supera las 2 horas puede hacerse un tanto pesada. Aún así saben solucionarlo con un guión ágil, ingenioso y con ligeros toques de humor que nos acercan al protagonista y nos hacen la película menos densa.
Puntuación del 1 al 10: 7
La temática central es la homosexualidad y la lucha por conseguir la libertad de expresión sin miedo a la represión. También como temas secundarios, pero no por ello menos importantes, se tratan los temas de igualdad de sexo, el racismo y la corrupción política.
Harvey milk fue el primer revolucionario que luchó por la libertad gay y aunque le costó la vida, consiguió movilizar a la gente y captar la atención de América. Fue una esperanza para estos sectores, estas minorías que en su momento habían sido marginadas. Gracias a su espíritu luchador consiguió un cambio de mirada en la sociedad y una concienciación por los derechos gays.
A lo largo de todo el film podemos ver diferente simbología gay emergente de ese tiempo, como la bandera del arco iris o el triangulo rosa. Además también se usan algunas imágenes de archivo para ambientarnos en la época de los setenta.
El personaje principal es Harvey Milk interpretado por Sean Penn, un actor con una larga trayectoria y que en ésta película logra transmitir en todo momento el sufrimiento de las personas que vivieron aquel período de adaptación con una excelente interpretación. Con un óscar tras el éxito en 2003 con Mystic River, en 2009 Sean Penn logra su segunda y merecida estatuilla.
El argumento es previsible y desde el principio se sabe lo que pasará ya que se ciñe a un hecho histórico, pero aun sin sorprender tampoco decepciona. No hay nada en esta película que fascine al espectador. El film sigue durante todo el rato con el mismo ritmo y considerando que la durada de la película supera las 2 horas puede hacerse un tanto pesada. Aún así saben solucionarlo con un guión ágil, ingenioso y con ligeros toques de humor que nos acercan al protagonista y nos hacen la película menos densa.
Puntuación del 1 al 10: 7
Título: Una pareja de tres
Título original: Marley & Me
Dirección: David Frankel
País: Estados Unidos
Año: 2008
Fecha de estreno: 18/03/2009
Duración: 120 min.
Género: Comedia
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Owen Wilson, Jennifer Aniston, Eric Dane, Kathleen Turner, Alan Arkin, Nathan Gamble, Haley Bennett, Clarke Peters
Guión: Scott Frank, Don Roos, John Grogan
20th. Century Fox
Fox 2000 Pictures, Regency Enterprise
El día que vi el anuncio de la película “Una pareja de tres” pensé que sería del agrado de una amante del género comedia romántica. Lo que más me llamó la atención fueron sus dos protagonistas ya que tanto Owen Wilson como Jennifer Aniston los ubico en películas y series fantásticas. Pero esta película no es una comedia romántica sino una historia normal en la que un matrimonio de dos periodistas que deciden mudarse a Florida, donde Owen no está muy contento por su trabajo. A Jennifer se le despierta el instinto maternal, pero antes de buscar un hijo deciden ponerse a prueba comprando un perro. Poco a poco sus vidas van cambiando y mejoran su trabajo, pero la verdadera historia comienza con la compra del perro.
A primera vista y solo echándole un vistazo a la carátula de la película, pensamos que la historia se centrará en el perro y seguramente la mayoría de los que acudan a verla esperarán eso. En cambio encontrarán la vida de una pareja y cómo ambos evolucionan, en ocasiones son excesivas las escenas de peleas típicas entre pareja llegando a dar una cierta monotonía que a veces se rompe con escenas del perro como protagonista. En conclusión, no es ni una película romántica ni una comedia, sino una historia no muy original que puede decepcionar a aquellos que vayan con una idea preconcebida.
Valoración: 5
Rosa María Romero Mira
Título original: Marley & Me
Dirección: David Frankel
País: Estados Unidos
Año: 2008
Fecha de estreno: 18/03/2009
Duración: 120 min.
Género: Comedia
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Owen Wilson, Jennifer Aniston, Eric Dane, Kathleen Turner, Alan Arkin, Nathan Gamble, Haley Bennett, Clarke Peters
Guión: Scott Frank, Don Roos, John Grogan
20th. Century Fox
Fox 2000 Pictures, Regency Enterprise
El día que vi el anuncio de la película “Una pareja de tres” pensé que sería del agrado de una amante del género comedia romántica. Lo que más me llamó la atención fueron sus dos protagonistas ya que tanto Owen Wilson como Jennifer Aniston los ubico en películas y series fantásticas. Pero esta película no es una comedia romántica sino una historia normal en la que un matrimonio de dos periodistas que deciden mudarse a Florida, donde Owen no está muy contento por su trabajo. A Jennifer se le despierta el instinto maternal, pero antes de buscar un hijo deciden ponerse a prueba comprando un perro. Poco a poco sus vidas van cambiando y mejoran su trabajo, pero la verdadera historia comienza con la compra del perro.
A primera vista y solo echándole un vistazo a la carátula de la película, pensamos que la historia se centrará en el perro y seguramente la mayoría de los que acudan a verla esperarán eso. En cambio encontrarán la vida de una pareja y cómo ambos evolucionan, en ocasiones son excesivas las escenas de peleas típicas entre pareja llegando a dar una cierta monotonía que a veces se rompe con escenas del perro como protagonista. En conclusión, no es ni una película romántica ni una comedia, sino una historia no muy original que puede decepcionar a aquellos que vayan con una idea preconcebida.
Valoración: 5
Rosa María Romero Mira
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Título : A ciegas
Título V.O. : Blindness
Año de producción: 2008
Distribuidora: Notro Films
Género: Drama
Estreno: 13 de marzo de 2009
Director: Fernando Meirelles
Guión: Don McKellar
Música: Marco Antônio Guimarães
Fotografía: César Charlone
Intérpretes: Danny Glover (hombre con el parche negro en el ojo), Julianne Moore (la mujer del doctor), Mark Ruffalo (el doctor), Gael García Bernal (camarero/el rey de la sala 3), Alice Braga (mujer con las gafas oscuras)
Resulta muy tentador encontrar defectos a una película basada en una novela y más aún si este libro te ha gustado tanto. De todos modos, A Ciegas, basada en el libro Ensayo sobre
Una misteriosa ceguera afecta a un hombre que rápidamente contagia a todos los de su alrededor. A los primeros afectados, con la intención de sufragar la inexplicable enfermedad, les encierran en cuarentena en un psiquiátrico abandonado. Esta enfermedad no tarda en afectar a toda la población menos a una mujer (Julianne Moore). Los enfermos aislados en el hospital están totalmente indefensos y bajo la presión de una nueva jerarquía interna que se tornará caótica e insoportable.
La película intenta hacer una reflexión sobre la facilidad de los humanos en caer en un estado anárquico total, lo fácil que es llegar a una guerra, la maldad y el egoísmo humano. Digo intenta porque esta crítica es mucho más sutil que en el libro.
Lo que hace al libro especial más que el tema es la manera de relatar la historia, la singular manera de escribir de Saramago, sin apenas utilizar signos de puntuación y otros detalles de estilo como es no referirse a los personajes por sus nombres sino con expresiones como “la chica de las gafas oscuras”. Detalles que no se pueden trasladar a la pantalla del cine pero que Fernando Meirelles ha sabido sustituirlos satisfactoriamente por otros recursos propios del séptimo arte que los compensan.
Otras emociones se pueden transmitir gracias al poder de la imagen. La visión es el tema clave del film y Meirelles ha sabido aplicar recursos que enfatizan esta capacidad. Predomina el blanco y los tonos desaturados intentando emular “el mal blanco”. Al mismo tiempo, tiene un fuerte contraste y la iluminación está muy bien conseguida. Con efectos ópticos como el uso frecuente de reflejos y del enfoque/desenfoque proporciona al espectador la sensación de una cierta inestabilidad y desequilibrio. Esto consigue que te metas en el papel de los personajes y sentir agobio e impotencia.
Los escenarios y la ambientación del final, de la ciudad devastada, está realmente bien conseguida y fiel al libro. Puedo entender imágenes que resultan polémicas por la angustia que causan ya que ayudan a entender la brutalidad y el salvajismo humano o animal cuando necesita satisfacer los instintos más primitivos.
Goza de un buen reparto si exceptuamos a Julianne Moore. Una actriz menos conocida me hubiera entrado mejor, sus expresiones me resultan un tanto sobreactuadas y con gestos demasiado vistos ya para protagonizar una versión de un libro. Los demás actores, lo suficientemente convincentes.
Puntuación del 1 al 10: 7 y ½
Gloria López
Puede que muchos hayáis visto u oído hablar de un corto titulado El ataque de los robots de nebulosa 5, dirigido por Chema García. En la edición del FEC de este año recibió el primer premio al mejor cortometraje estatal, pero además ha conseguido 45 premios en diferentes festivales de todo el mundo y una Honorable Mention en el Sundance Film Festival.
La primera vez que vi el corto desconocía esta información, si te explican antes ciertos datos inevitablemente te creas unas expectativas, sin embargo cuando no sabes que opinan los críticos sobre lo que estás viendo la valoración que haces de este producto es más neutral i no está condicionada por la categoría que le otorgan otras personas. Así pues, cuando pasaron el corto en el FEC lo primero que pensé fue que era genial, sencillo pero genial.
Esta historia de ciencia ficción capta tu atención desde el primer segundo, divertida y bien construida mantiene al espectador alerta entre el humor y el misterio. A su vez, la estética en blanco y negro permite algunos juegos de luz interesantes. Predominan los planos amplios y vacios con el personaje en medio del encuadre, alguien en medio de la nada. Esto es algo poco común en los cortometrajes a los que estamos acostumbrados ya que es una característica que ralentiza la narración o nos hace percibir que la acción es lenta, pero en el caso de El ataque de los robots de nebulosa 5 tanto el ritmo externo como el interno es adecuado.
Chema García se confiesa admirador de David Lynch y de hecho en su corto encontramos muchas similitudes con Eraserhead, como la estética en blanco y negro, los espacios industriales o secuela de la industria (como el descampado rodeado de vallas publicitarias) y los planos amplios.
Qué tiene de especial este corto y porqué está gustando tanto a las diferentes audiencias? Es diferente, el guión se basa en la incertidumbre del ataque alienígena a través de los pensamientos del personaje protagonista pero con toques cómicos y su estética no tiene nada que ver con el resto de cortos del festival. Pero a su vez es muy simple y en su sencillez está la clave, esto es lo que permite que conecte enseguida con el público.
Es un buen trabajo teniendo en cuenta que su presupuesto fue 1500 euros y el equipo técnico estuvo formado por cuatro personas, algo que demuestra que no es necesario invertir grandes cantidades para conseguir un buen producto ni para contar una historia. Este corto superaba de lejos a algunos otros en los que el presupuesto oscilaba los 20000 euros. Algo alentador para la gente joven interesada en este mundo que percibe como algo lejano llevar a cabo un proyecto con éxito.
Puntuación del 1 al 10: 8
Sandra Gómez
La primera vez que vi el corto desconocía esta información, si te explican antes ciertos datos inevitablemente te creas unas expectativas, sin embargo cuando no sabes que opinan los críticos sobre lo que estás viendo la valoración que haces de este producto es más neutral i no está condicionada por la categoría que le otorgan otras personas. Así pues, cuando pasaron el corto en el FEC lo primero que pensé fue que era genial, sencillo pero genial.
Esta historia de ciencia ficción capta tu atención desde el primer segundo, divertida y bien construida mantiene al espectador alerta entre el humor y el misterio. A su vez, la estética en blanco y negro permite algunos juegos de luz interesantes. Predominan los planos amplios y vacios con el personaje en medio del encuadre, alguien en medio de la nada. Esto es algo poco común en los cortometrajes a los que estamos acostumbrados ya que es una característica que ralentiza la narración o nos hace percibir que la acción es lenta, pero en el caso de El ataque de los robots de nebulosa 5 tanto el ritmo externo como el interno es adecuado.
Chema García se confiesa admirador de David Lynch y de hecho en su corto encontramos muchas similitudes con Eraserhead, como la estética en blanco y negro, los espacios industriales o secuela de la industria (como el descampado rodeado de vallas publicitarias) y los planos amplios.
Qué tiene de especial este corto y porqué está gustando tanto a las diferentes audiencias? Es diferente, el guión se basa en la incertidumbre del ataque alienígena a través de los pensamientos del personaje protagonista pero con toques cómicos y su estética no tiene nada que ver con el resto de cortos del festival. Pero a su vez es muy simple y en su sencillez está la clave, esto es lo que permite que conecte enseguida con el público.
Es un buen trabajo teniendo en cuenta que su presupuesto fue 1500 euros y el equipo técnico estuvo formado por cuatro personas, algo que demuestra que no es necesario invertir grandes cantidades para conseguir un buen producto ni para contar una historia. Este corto superaba de lejos a algunos otros en los que el presupuesto oscilaba los 20000 euros. Algo alentador para la gente joven interesada en este mundo que percibe como algo lejano llevar a cabo un proyecto con éxito.
Puntuación del 1 al 10: 8
Sandra Gómez
EL GRAN TORINODirecció: Clint Eastwood
País: USA
Any: 2008
Duració: 116 min.
Intèrprets: Clint Eastwood (Walt Kowalski), Christopher Carley (padre Janovich), Bee Vang (Thao), Ahney Her (Sue), Brian Haley (Mitch), Geraldine Hughes (Karen), Brian Howe (Steve)
Guió: Nick Schenk
Producció: Clint Eastwood, Robert Lorenhttpz y Bill Gerber
Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens
Fotografia: Tom Stern
Muntatge : Joel Cox y Gary D. Roach
Vestuari: Deborah Hopper
Data d’estrena: 09-01-2009
Estrena a Espanya: 06-03-2009
Actualment vivim en un món on el racisme i la intolerància estan a l’ordre del dia. En aquest món, que amb prou feines comprenem, s’emmarca la nova obra mestra de Clint Eastwood: El Gran Torino.
Després de veure aquesta pel·lícula vaig sortir del cinema encantada. I és que feia temps que no gaudia tant amb un film que mostrés la societat tal com és, amb tota la seva falsetat i les seves contradiccions; però també amb les seves oportunitats i la seva acceptació. El Gran Torino és una pel·lícula que torna a demostrar, un cop més, el gran potencial de Clint com a director.
El film narra la història de Walt Kawolski, un veterà de la Guerra de Corea; interpretat fantàsticament pel mateix Clint Eastwood, que després de la mort de la seva dona dedica el seu temps a les reparacions domèstiques. Walt és un home malcarat i fred, que viu aïllat de la seva família i envoltat per una comunitat de veïns asiàtics hmong, que en un principi desprecia.
Després de salvar-ne un d’ells (el fill petit) de les bandes locals, el senyor Kawolski acaba entaulant amistat amb aquests immigrants.
D’aquesta manera Walt Kawolski s’acaba endinsant en una cultura totalment diferent; de la qual només en coneixia els vestigis de la guerra en la que havia lluitat, i que mai s’havia preocupat d’entendre; arribant així a crear amb ella uns llaços molt forts. Walt, d’aquesta manera es veu obligat a enfrontar-se als seus antics prejudicis.
Una història tòpica? Potser sí. No obstant, l’enfocament i el treball que li dóna el director, la diferencia de produccions fetes per d’altres. Climt Eastwood sap plasmar de manera espectacular la història a la pantalla; i la dota d’un interès poc comú, que fa que s’endinsi a les consciències dels espectadors.
Un film, que deixa entreveure els dimonis del seu director enfront la fe, la família; i el conflicte entre l’individu i una societat del segle XXI, que canvia constantment desbordada per l’interculturalisme. Tot això dotat de tocs d’humor molt peculiars i sarcasmes; que et fan esclafir de riure des de les últimes files del cinema.
La interpretació del protagonista Walt Kawolski, feta pel mateix Climt Eastwood, també és extraordinària. En la que sembla ser la última pel•lícula d’aquest home com a actor; ha donat vida a un personatge vell, tossut i inflexible, un paper que li va a la mida. Un paper que desprén aquesta tranquilitat tan peculiar dels personatges que encarna Climt. Les seves mirades tan característiques i les seves expressions expliquen sovint allò que no està escrit en el guió; que és l’element menys destacable del film. Els gestos de l’actor parlen dels remordiments del seu personatge, de la seva curiositat, de la no acceptació d’un món que ha canviat… En definitiva, una interpretació d’aquelles que venen ganes d’aixecar-te de la butaca i cridar: Chapó! (Aquests motius fan sorprenent la seva absència entre els candidats a l’Óscar.)
També és molt bona la interpretació de Ahney Her com a Sue; la filla dels veïns hmong, amb les seves “vacil•lades”.
En aquesta pel·lícula també és molt destacable la fotografia de Tom Sterry (il•luminador de Clint Eastwood en les seves set últimes pel•lícules), que continua estan molt ben tractada, i porta el segell característic del seu director.
Una altra cosa sorprenent del film (sí, n'hi ha per donar i per vendre) és la seva música, la qual està escollida en gran part, pel mateix director. Clint Eastwood, a més, en aquesta pel•lícula treu la seva faceta compositora i s’atreveix a cantar amb la seva veu tant característica la cançó final on apareixen els títols de crèdits; una cançó que fa posar els péls de punta.
En definitiva, El Gran Torino és una pel•lícula com n’hi ha poques. D’aquelles tan pròpies de Clint Eastwood, com ara El Intercanvio, que fan que et quedis parat reflexionant quan s’han encès les llums de la sala.
És un excel•lent retrat d’un xoc entre cultures, que fa riure i emocionar. Una combinació perfecta entre comèdia i drama. Un film que fa pensar sobre la realitat mundial i que condueix a una certa i bonica conclusió.
És un gran film, que encarna un discurs moralista; i que un bon cinèfil no pot deixar de banda.
El film narra la història de Walt Kawolski, un veterà de la Guerra de Corea; interpretat fantàsticament pel mateix Clint Eastwood, que després de la mort de la seva dona dedica el seu temps a les reparacions domèstiques. Walt és un home malcarat i fred, que viu aïllat de la seva família i envoltat per una comunitat de veïns asiàtics hmong, que en un principi desprecia.
Després de salvar-ne un d’ells (el fill petit) de les bandes locals, el senyor Kawolski acaba entaulant amistat amb aquests immigrants.
D’aquesta manera Walt Kawolski s’acaba endinsant en una cultura totalment diferent; de la qual només en coneixia els vestigis de la guerra en la que havia lluitat, i que mai s’havia preocupat d’entendre; arribant així a crear amb ella uns llaços molt forts. Walt, d’aquesta manera es veu obligat a enfrontar-se als seus antics prejudicis.
Una història tòpica? Potser sí. No obstant, l’enfocament i el treball que li dóna el director, la diferencia de produccions fetes per d’altres. Climt Eastwood sap plasmar de manera espectacular la història a la pantalla; i la dota d’un interès poc comú, que fa que s’endinsi a les consciències dels espectadors.
Un film, que deixa entreveure els dimonis del seu director enfront la fe, la família; i el conflicte entre l’individu i una societat del segle XXI, que canvia constantment desbordada per l’interculturalisme. Tot això dotat de tocs d’humor molt peculiars i sarcasmes; que et fan esclafir de riure des de les últimes files del cinema.
La interpretació del protagonista Walt Kawolski, feta pel mateix Climt Eastwood, també és extraordinària. En la que sembla ser la última pel•lícula d’aquest home com a actor; ha donat vida a un personatge vell, tossut i inflexible, un paper que li va a la mida. Un paper que desprén aquesta tranquilitat tan peculiar dels personatges que encarna Climt. Les seves mirades tan característiques i les seves expressions expliquen sovint allò que no està escrit en el guió; que és l’element menys destacable del film. Els gestos de l’actor parlen dels remordiments del seu personatge, de la seva curiositat, de la no acceptació d’un món que ha canviat… En definitiva, una interpretació d’aquelles que venen ganes d’aixecar-te de la butaca i cridar: Chapó! (Aquests motius fan sorprenent la seva absència entre els candidats a l’Óscar.)
També és molt bona la interpretació de Ahney Her com a Sue; la filla dels veïns hmong, amb les seves “vacil•lades”.
En aquesta pel·lícula també és molt destacable la fotografia de Tom Sterry (il•luminador de Clint Eastwood en les seves set últimes pel•lícules), que continua estan molt ben tractada, i porta el segell característic del seu director.
Una altra cosa sorprenent del film (sí, n'hi ha per donar i per vendre) és la seva música, la qual està escollida en gran part, pel mateix director. Clint Eastwood, a més, en aquesta pel•lícula treu la seva faceta compositora i s’atreveix a cantar amb la seva veu tant característica la cançó final on apareixen els títols de crèdits; una cançó que fa posar els péls de punta.
En definitiva, El Gran Torino és una pel•lícula com n’hi ha poques. D’aquelles tan pròpies de Clint Eastwood, com ara El Intercanvio, que fan que et quedis parat reflexionant quan s’han encès les llums de la sala.
És un excel•lent retrat d’un xoc entre cultures, que fa riure i emocionar. Una combinació perfecta entre comèdia i drama. Un film que fa pensar sobre la realitat mundial i que condueix a una certa i bonica conclusió.
És un gran film, que encarna un discurs moralista; i que un bon cinèfil no pot deixar de banda.
Quina pel•lícula Clint, quina pel•lícula...
Valoració de l'1 al 10: 8,5
Per veure el trailer de la pel·lícula: http://www.youtube.com/watch?v=XHlZ-fOzkSE
Iconografías de la ingenua
El pasado lunes 16 de marzo tuvo lugar en el Caixa Forum de Tarragona la conferencia El arquetipo de la ingenua a cargo de Vicente J. Benet, escritor cinematográfico y profesor de la Universidad Jaume I. Además de la charla, la sesión incluyó la proyección de Down with Love (Abajo el amor) de Peyton Reed (2003).
La conferencia arrancó con un breve repaso de la iconografía de la ingenua a lo largo de los años y a través de diferentes artes como la pintura, la literatura y el cine.
Benet expuso el nacimiento, desarrollo y consolidación de la figura de la ingenua afirmando que este estereotipo “tiene mucho que ver con un juego de seducción i tensión con el espectador”. Así pues, durante mucho tiempo, la columna vertebral de géneros como el melodrama fue la confrontación de la virtud –representada por la doncella virginal- contra la perversión.
Desde el punto de vista iconográfico, Benet describe a la ingenua con rasgos infantilizados (Fig. 1) que sirven para acentuar el paso de niña a mujer que secundará el conflicto entre virtud y perversión (argumento ligado a la perdida de la virginidad). El personaje femenino también se ve afectado por otras amenazas como son la persecución de depravados, la violación e incluso las relaciones interraciales. En The Birth of a Nation (Griffith, 1915) los instintos perversos de un soldado negro llevan al suicidio de la doncella, que prefiere perder la vida antes que su virtud. En otro film de Griffith (Broken Blossoms, 1919) también pudimos comprobar la tensión de las pasiones interraciales entre Lucy y Cheng (Fig.2).
El pasado lunes 16 de marzo tuvo lugar en el Caixa Forum de Tarragona la conferencia El arquetipo de la ingenua a cargo de Vicente J. Benet, escritor cinematográfico y profesor de la Universidad Jaume I. Además de la charla, la sesión incluyó la proyección de Down with Love (Abajo el amor) de Peyton Reed (2003).
La conferencia arrancó con un breve repaso de la iconografía de la ingenua a lo largo de los años y a través de diferentes artes como la pintura, la literatura y el cine.
Benet expuso el nacimiento, desarrollo y consolidación de la figura de la ingenua afirmando que este estereotipo “tiene mucho que ver con un juego de seducción i tensión con el espectador”. Así pues, durante mucho tiempo, la columna vertebral de géneros como el melodrama fue la confrontación de la virtud –representada por la doncella virginal- contra la perversión.
Desde el punto de vista iconográfico, Benet describe a la ingenua con rasgos infantilizados (Fig. 1) que sirven para acentuar el paso de niña a mujer que secundará el conflicto entre virtud y perversión (argumento ligado a la perdida de la virginidad). El personaje femenino también se ve afectado por otras amenazas como son la persecución de depravados, la violación e incluso las relaciones interraciales. En The Birth of a Nation (Griffith, 1915) los instintos perversos de un soldado negro llevan al suicidio de la doncella, que prefiere perder la vida antes que su virtud. En otro film de Griffith (Broken Blossoms, 1919) también pudimos comprobar la tensión de las pasiones interraciales entre Lucy y Cheng (Fig.2).
A partir de 1940, la máscara de la ingenuidad cae y la convención simbólica establecida antes de la Segunda Guerra Mundial se rompe. Estrellas como Marilyn Monroe utilizan conscientemente la ingenuidad como arma de seducción. Las ingenuas han desaparecido de nuestros cines pero aun quedan vestigios de ese sentimentalismo, como en los culebrones, que en cierta forma, se alimentan de este arquetipo.
La conferencia fue interesante aunque tampoco descubriese nada nuevo. Por otra parte, la forma de exponer de Vicente Benet fue amena, llena de ejemplos que dinamizaron la sesión y nos permitieron ver de forma más clara la evolución del rol femenino en el mundo del cine. Al final de la jornada, pudimos sacar un par de conclusiones nada desestimables: por un lado, la tensión sexual siempre “vende” y esto es algo que ya viene de lejos y por otro lado, ahora también se puede sacar jugo a que los ingenuos sean ellos.
Puntuación del 1 al 10: 6,5
Blanca Ramírez
La conferencia fue interesante aunque tampoco descubriese nada nuevo. Por otra parte, la forma de exponer de Vicente Benet fue amena, llena de ejemplos que dinamizaron la sesión y nos permitieron ver de forma más clara la evolución del rol femenino en el mundo del cine. Al final de la jornada, pudimos sacar un par de conclusiones nada desestimables: por un lado, la tensión sexual siempre “vende” y esto es algo que ya viene de lejos y por otro lado, ahora también se puede sacar jugo a que los ingenuos sean ellos.
Puntuación del 1 al 10: 6,5
Blanca Ramírez
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