Título: Rudo y Cursi
Título original: Rudo y Cursi
Dirección: Carlos Cuarón
País: Estados Unidos, México
Año: 2008
Fecha de estreno: 24/04/2009
Duración: 120 min.
Género: Drama, Deporte, Comedia
Reparto: Diego Luna, Gael García Bernal, Jessica Mas, Guillermo Francella, Dolores Heredia, Armando Hernández, Felipe de Lara, Malillany Marín, Adriana Paz, Ivan Esquivel
Guión: Carlos Cuarón
Productora: Universal Pictures, Focus Features, Esperanto Filmoj, Producciones Anhelo, Canana Films, Cha Cha Cha
Rudo y Cursi es una fábula sobre las catastróficas consecuencias del éxito y la fama. Hay personas que no están preparadas para tener dinero.
Dos hermanos, Tato y Beto, viven en un humilde poblado y trabajan en una plantación de plátanos. Beto tiene mujer y dos hijos y su mayor ilusión es convertirse en futbolista profesional. Tato, en cambio, desea ser cantante. Los dos juegan al futbol en un pequeño equipo del pueblo.
Lo que puede resultar casi imposible, ocurre: los dos hermanos acaban siendo descubiertos de casualidad por un cazatalentos de futbolistas, el “Batuta”.
Este hecho, como es lógico, les cambiará la vida radicalmente. Incluso sus nombres cambian. Pasan a ser conocidos como el “Cursi” y el “Rudo” por su manera de jugar. Ser jugadores de primera división y de distintos equipos, les conduce a las drogas, al juego, al éxito con mujeres guapas, a mechas horteras en el pelo y lo más importante, a desavenencias entre ellos dos.
Esta tragicomedia contada en voz en off por el Batuta resulta un tanto irónica, “ironías del destino”, como diría el propio Batuta.
El retrato tan exagerado de la vida y pensamiento de los futbolistas profesionales acaban por destrozar la moraleja del film. A parte de este retrato tan estereotipado y la explotación de tópicos mexicanos, ciertos aspectos de la película contienen más verosimilitud.
Los dos protagonistas hacen un muy buen papel y gracias a los caóticos y exagerados diálogos consiguen arrancarte más de una sonrisa. La puesta en escena y el uso recurrente de la “cámara al hombro” le dan un estilo y estética muy peculiar, lo que le proporciona encanto y singularidad.
Una película de bajo presupuesto que en principio debería darlo todo con la trama pero la realidad es otra: entretiene pero al ser un tema tan trillado y tan sumamente predecible te acaba dejando bastante indiferente.
Lo mejor de la película: algunas localizaciones y paisajes. Lo peor: la canción de el "Cursi": http://www.youtube.com/watch?v=s83it0LqcqQ
Puntuación del 1 al 10: 6
Título original: Gake no Ue no Ponyo (Ponyo on the Cliff by the Sea)
País: Japón
Año: 2008
Duración: 100 minutos
Dirección: Hayao Miyazaki
Producción: Frank Marshall, Kathleen Kennedy
Guión: Hayao Miyazaki
Fotografía: Takeshi Seyama
Montaje: Hayo Miyazaki, Takeshi Seyama
Música: Joe Hisaishi
Productora: Toho Company, Nippon Television Network Corporation (NTV), Studio Ghibli, DENTSU Music And Entertainment, Mitsubishi, Hakuhodo DY Media Partners, Walt Disney Company, The, Asahi Soft Drinks Company, Lawson, Yomiuri Shimbun, The
Ponyo y Sasuke pertenecen a dos mundos muy diferentes: ella es hija de reyes marinos, y él es un niño que vive en un acantilado cerca de la costa. Un día, mientras Sasuke juega con su barquita en las rocas de la playa, encuentra un tarro de cristal con una pececita roja atascada dentro. Sasuke decide llevársela a casa para cuidarla y la rebautiza con el nombre de Ponyo. Pero el padre de Ponyo, un hechicero que habita en el fondo del mar, pronto decide ir a buscar a su hija. Mientras tanto, Ponyo se queda fascinada con Sasuke y decide que quiere quedarse con su amigo y convertirse definitivamente en humana. Pero cuando esto sucede, el orden natural del mundo se transgreda y la tierra queda inundada bajo el mar.
Esta idílica fábula podría haberse ido por los caminos de la sensiblería gratuita y haber empalagado hasta al público más infantil, no obstante, Miyazaki aborda el argumento con una sensibilidad sin excesos que hace el film grato para todos los públicos. Otro rasgo característico del director que apreciamos en la película es el trasfondo más serio que se le da al argumento, con una apología del ecologismo y del respeto al medio marino.
A pesar de haber sido rodada con técnicas informáticas, Ponyo en el acantilado es una película que recuerda a la estética anime típica de los dibujos japoneses y que se aleja de la mayoría de films de animación que encontramos en nuestras salas de cine.
Acompañando a la imagen, una brillante banda sonora que conduce las aventuras de los personajes en ese mundo de fantasía.
Esta particular versión de “La Sirenita” no abandona la exquisitez estética ni el humanismo de la trama a la que nos tiene acostumbrada Miyazaki, pero a pesar de ello, aun le queda mucho para equipararse a la mítica Viaje de Chihiro que tal vez era más madura y completa. De todas formas, no deja de ser recomendable verla.
Mi puntuación del 1 al 10: 8
Blanca Ramírez Miralles
FICHA TÉCNICA
Título original: Funny Games U.S.
Dirección: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Año: 1997
Duración: 108 min.
Género: Terror
País: Austria
Funny Games es una película austriaca del año 1997 escrita y dirigida por Michael Haneke. De esta película se hizo un remake, llamado también Funny Games, en el año 2008.
De Austria procede Funny Games (1997), el tema: la violencia. Trata sobre un matrimonio y su hijo pequeño, que van a pasar las vacaciones a una casa de campo, donde serán sorprendidos por dos jovencitos insistentes y sádicos.
Ya la primera secuencia nos da la clave de la película: el matrimonio, en coche, de camino a la casa, va jugando a adivinar compositores de ópera; de pronto esa melodía es sustituida por una tronada y agresiva música del grunge más extremo. Ése es el leit-motiv de la película: cómo la placidez de lo cotidiano se ve alterada por una violencia absurda, sin sentido.
Los psicópatas lo son porque sí, no hay ninguna justificación ni capacidad por el análisis. "¿Por qué? ¿Por qué no?", dice un diálogo. Ellos siguen su propia lógica, y matan para divertirse. Para ellos no es más que un juego, un juego divertido.
En la pareja de psicópatas hay un pequeña semejanza que me recuerda a los protagonistas de La naranja mecánica. En el filme Alex, el cabecilla, es refinado, inteligente y locuaz; el "lerdo" es en Funny Games un chico torpe, gordo y acomplejado.
Posiblemente, Funny Games sea la película más anti-retórica de cuantas se hayan hecho sobre asesinos en serie. Sorprende la "sencillez" con la cual está rodada, de una transparencia narrativa y su ausencia de trucos cinematográficos. Salta a la vista que Haneke no recurre a la erotización de la violencia, con lo que resulta más coherente y sincero.
La ausencia de música que incide a lo largo del film nos viene a recordar que estamos viendo algo realmente distinto a cualquier otra narración cinematográfica. Este astuto uso del silencio coloca a la ficción dentro de un código mucho más realista que impactará a los estómagos más endurecidos y curtidos. A éste realismo contribuyen unas interpretaciones que consiguen no parecer tales.
En Funny Games el juego con el fuera de campo en los actos de violencia es un rasgo estilístico que la salva del frenesí, la exaltación y la explicitud, tan características de directores como Quentin Tarantino.
Quizá lo más desconcertante y conmovedor de la película sean las apelaciones directas que hacen los psicópatas al espectador, integrándolo en el mecanismo del asesinato. Si la cámara adopta el punto de vista del asesino y vemos lo que él ve, somos sus cómplices.
Los planos son prolongados hasta el soponcio, los protagonistas nos meten en su cruel juego utilizando al espectador como VOYEUR. Un filme impactante, áspero, seco, genial, directo al estomago, tramposo pero a la vez impactante sin necesidad de maquillaje. El horror a cara descubierta.
Sin duda, Funny Games removerá conciencias, aturdirá los exhaustos sentidos del insensible teleadicto.
Puntuación: 7
Direcció: James Marsh.
Països: Regne Unit y USA.
Any: 2008.
Duració: 94 min.
Gènere: Documental.
Intervencions: Philippe Petit, Jean-Louis Blondeau, Annie Allix, Jim Moore, Mark Lewis, Jean-François Heckel, Barry Greenhouse, David Foreman, Alan Welner.
Guió: James Marsh; basat en el llibre “To reach the clouds” de Philippe Petit.
Producció: Simon Chinn.
Música: Michael Nyman y J. Ralph.
Fotografia: Igor Martinovic.
Montatge: Jinx Godfrey.
Diseny de producció: Sharon Lomofsky.
Estreno en Regne Unit: 1 Agosto 2008.
Estreno en España: 17 Abril 2009
Emoció, tensió, força i il•lusió. Són els sentiments que transmet Man on Wire, l’última pel•lícula de James Marsh, que s’ha emportat l’Óscar al millor documental. Un documental d’un esdeveniment que ha estat titllat com un dels majors crims artístics de la història del segle XX.
James Marsh narra l’apassionant història de Philipe Petit, un funambulista francès, i de la seva major bogeria : atravessar mitjançant un cable, el tros de cel que separava les torres del World Trade Center el 7 d’agost de 1974, a 400 metres d’alçada. Un desafiament a l’altura, ple concentració i fe; el qual va omplir tots els diaris de l’època.
Un film sobre un home que assegura entendre l’abisme entre la vida i la mort.
És un documental del tipus expositiu, segons la classificació que Bill Nichols fa d'aquesta forma fílmica. No obstant, no és una veu en off la que explica la proesa, sinó que són els mateixos protagonistes. La història està narrada per Philipe Petit i pels còmplices que el van ajudar desinteressadament, fascinats pel projecte del funambulista. Aquest fet fa que la narració esdevingui més propera i palpable.
A més, tot el film va acompanyat de diverses imatges espectaculars de l’arxiu de Petit, les quals il•lustren el discurs oral. Aquestes esmentades imatges deixen bocabadat a qui les veu. Transmeten sensacions úniques que l’equilibrista va experimentar en passejar per la corda fluixa aquell matí d’agost, pels que eren els edificis més alts del món.
El treball del director és fantàstic i digne d’aquest relat. Aconsegueix donar tensió i suspens al drama (per aquest motius ha estat classificada en ocasions com un thriller), tot i la coneixença del final de la història. Mitjançant flashacks, James Marsh s’endinsa a la vida del protagonista i a la preparació de le coup. Tracta el film de tal manera, que arriba a impactar fins al punt que resulta impossible apartar els ulls de la pantalla.
Una tasca ben difícil que el director assoleix amb gran èxit.
El documental de James Marsh, a més, és molt íntim. Les declaracions del mateix Philipe Petit i dels seus companys d’ “atemptat” aborden sentiments, que fan posar els pèls de punta. La preparació del gran cop, plena d’entrebancs i tensió; la passejada pels núvols de Nova York de Philipe Petit i les conseqüències d’aquesta acció; explicada pels principals actors d’aquell crim ple d’art, fan sorgir les emocions a flor de pell.
Man on wire són 94 minuts d’equilibri i vertigen d’una història real, encara que costi de creure. Sorprenent.
Sensacions extremes, por, passió i confiança, que doten el documental d’una gran altura, tanta com la que va desafiar Philipe Petit en el moment més àlgid de la seva carrera com a funambulista.
És una lliçó d’inconformisme, de perseverança i de genialitat la de Man on wire. Mostra la lluita per un somni relatada minuciosament, i la visió de quelcom insòlit i irrepetible. A més ens ensenya la importància de l’aquí i l’ara: quan s’observa a Philipe Petit enfilat a un cable plenament concentrat i desafiant a la gravetat, s’està davant de la viva imatge del Carpe Diem.
En definitiva un gran documental, una obra mestra de James Marsh que deixa entreveure que l’art més meravellós, sovint, prové d’una bogeria.
trailer: http://www.youtube.com/watch?v=c0E9vdq9-l4
La filmografía de Jia Zhangke raramente puede seguirse en salas comerciales, sin embargo gracias a la apuesta de productores y festivales internacionales, así como al pequeño resquicio de tolerancia que encuentra en la complicada situación de su país, Jia ha sido capaz de llevar a cabo una filmografía brillante. Todas y cada una de sus películas gozan del prestigio ante la crítica internacional y vienen avaladas con menciones y galardones de los más importantes festivales de cine: Pickpocket (Xiao Wu, 1997), obtuvo el Alcan Drangons and Tigers Award For Young Cinema en el Festival de Vancouver, el New Currents Award en el Festival de Pusan, y el Montgolfiére d’Or en el Festival des Trois Continents de Nantes, entre otros; Platform (Zhantai, 2000), considerada obra maestra del cine contemporáneo, fue reconocida con premios como el Montgolfière d’Or, el Young Cinema Award del Festival de Singapur, el Premio a la Mejor Película del BAFICI o el Premio Don Quijote en el Festival de Cine de Friburgo. Sus últimos trabajos, Dong (2006) y Useless (Wuyong, 2007), también han sido objeto de premios y distinciones, habiendo obtenido la primera el Open Prize y el Doc/it Award del Festival de Venecia y la segunda el Venice Horizons Documentary Award, también en Venecia.
"USELESS"
Useless, un filme que revela las realidades de una sociedad de consumo donde la combinación del tiempo y el dinero ha trasladado la creatividad humana a un papel periférico. Jia nos da una imagen a menudo devastadora , pero siempre centrada y compasiva del mundo de la moda en China, el mayor exportador de ropa en el planeta.
Un atípico documental que juega con las mismas estructuras narrativas fragmentadas que el director siempre utiliza en su cine. Estilística y de buenas maneras parece decirnos que la barrera entre ficción y documental apenas es imperceptible: las dos representan una parte de la otra, una es recreada y la otra se expresa a través de las imágenes.
Esta nueva obra apela a la condición humana a través del oficio de costurero y de sus diferentes ramificaciones sociales. No se trata en realidad de una observación superficial hacia el precario sistema de trabajo del gremio, sino que se manifiesta poderosamente como una descripción de las injusticias y miserias que plantea el sistema económico chino y por consiguiente, del sistema mundial.
"Useless" está estructurado en tres partes muy diferenciadas, atadas sin relación de continuidad però unidas por una aparente casualidad que trata de mostrar mundos diferentes que avanzan al mismo tiempo. Lo único que cambia es la mirada, el enfoque. En realidad, todo discurre de forma unánime.
Este filme esta construido a partir de silencios y de imágenes que requieren una gran capacidad de observación, en él se reta al espectador a sostener la mirada a pesar de la dura realidad de la que está siendo testigo.
Asistimos primero a una fábrica de trabajo en cadena, donde somos testigos de las condiciones infrahumanas a las que son sometidos los trabajadores. En la parte central del filme se nos muestra el triunfo en París de una diseñadora con una propuesta que relaciona el diseño de ropa con la tierra, y la convivencia orgánica entre ambas. Una tercera y última parte, donde el director parece mostrarse más cómodo, muestra diversos locales de costura que subsisten en el país bajo una extrema pobreza y que contrasta enormemente con el éxito mediático del que hemos sido testigos sólo unos minutos antes en París.
Esas son las realidades que interesan a Zhang-Ke, un mundo globalizado en el que todas las miradas son posibles, interconectado a través de las experiencias de las personas y de los alarmantes contrastes que se dan en ese mundo. Trata de mostrar el importante cambio social y económico que sufre actualmente su país.
Un gran trabajo razón por la cual felicito a Jia Zangh ke fundamentalmente por atreverse a sacar a la luz una vez más la realidad de su país y las contradicciones del mundo en el que vive.
Escrito por Roser Ramírez
Valoración: 8'5
Guión: Dustin Lance Black
Año de producción: 2008
Música: Danny Elfman
Editor: Elliot Graham
Fotografía: Harris Savides
Productora: Focus Features
País: Estados Unidos
Estreno: 9 de enero del 2009
Reparto: Sean Penn, Josh Brolin, Emile Hirsch, James Franco, Diego Luna
La temática central es la homosexualidad y la lucha por conseguir la libertad de expresión sin miedo a la represión. También como temas secundarios, pero no por ello menos importantes, se tratan los temas de igualdad de sexo, el racismo y la corrupción política.
Harvey milk fue el primer revolucionario que luchó por la libertad gay y aunque le costó la vida, consiguió movilizar a la gente y captar la atención de América. Fue una esperanza para estos sectores, estas minorías que en su momento habían sido marginadas. Gracias a su espíritu luchador consiguió un cambio de mirada en la sociedad y una concienciación por los derechos gays.
A lo largo de todo el film podemos ver diferente simbología gay emergente de ese tiempo, como la bandera del arco iris o el triangulo rosa. Además también se usan algunas imágenes de archivo para ambientarnos en la época de los setenta.
El personaje principal es Harvey Milk interpretado por Sean Penn, un actor con una larga trayectoria y que en ésta película logra transmitir en todo momento el sufrimiento de las personas que vivieron aquel período de adaptación con una excelente interpretación. Con un óscar tras el éxito en 2003 con Mystic River, en 2009 Sean Penn logra su segunda y merecida estatuilla.
El argumento es previsible y desde el principio se sabe lo que pasará ya que se ciñe a un hecho histórico, pero aun sin sorprender tampoco decepciona. No hay nada en esta película que fascine al espectador. El film sigue durante todo el rato con el mismo ritmo y considerando que la durada de la película supera las 2 horas puede hacerse un tanto pesada. Aún así saben solucionarlo con un guión ágil, ingenioso y con ligeros toques de humor que nos acercan al protagonista y nos hacen la película menos densa.
Puntuación del 1 al 10: 7
Título original: Marley & Me
Dirección: David Frankel
País: Estados Unidos
Año: 2008
Fecha de estreno: 18/03/2009
Duración: 120 min.
Género: Comedia
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Owen Wilson, Jennifer Aniston, Eric Dane, Kathleen Turner, Alan Arkin, Nathan Gamble, Haley Bennett, Clarke Peters
Guión: Scott Frank, Don Roos, John Grogan
20th. Century Fox
Fox 2000 Pictures, Regency Enterprise
El día que vi el anuncio de la película “Una pareja de tres” pensé que sería del agrado de una amante del género comedia romántica. Lo que más me llamó la atención fueron sus dos protagonistas ya que tanto Owen Wilson como Jennifer Aniston los ubico en películas y series fantásticas. Pero esta película no es una comedia romántica sino una historia normal en la que un matrimonio de dos periodistas que deciden mudarse a Florida, donde Owen no está muy contento por su trabajo. A Jennifer se le despierta el instinto maternal, pero antes de buscar un hijo deciden ponerse a prueba comprando un perro. Poco a poco sus vidas van cambiando y mejoran su trabajo, pero la verdadera historia comienza con la compra del perro.
A primera vista y solo echándole un vistazo a la carátula de la película, pensamos que la historia se centrará en el perro y seguramente la mayoría de los que acudan a verla esperarán eso. En cambio encontrarán la vida de una pareja y cómo ambos evolucionan, en ocasiones son excesivas las escenas de peleas típicas entre pareja llegando a dar una cierta monotonía que a veces se rompe con escenas del perro como protagonista. En conclusión, no es ni una película romántica ni una comedia, sino una historia no muy original que puede decepcionar a aquellos que vayan con una idea preconcebida.
Valoración: 5
Rosa María Romero Mira
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